Die Gitarre ist Kunstobjekt und Kunstgegenstand ihrer Zeit

In unserer Branche sehen wir viele Gitarren, aber für mich persönlich werden sie nie langweilig. Jeder hat seinen eigenen Klang und seine eigene Geschichte, egal wie bescheiden. Einerseits sind sie Werkzeuge eines Handwerks, wie eine Schaufel oder eine Säge, aber fragen Sie fast jeden Musiker nach seinem Werkzeug, und Sie sollten am besten bereit sein, eine Weile zuzuhören. Es ist Amerikas zugänglichstes, vielseitigstes und tragbarstes Instrument – ​​die Muse und Maschine hinter den meisten unserer populären Musik und einer Vielzahl sozialer und politischer Bewegungen darüber hinaus.

Als Verstärker des menschlichen Ausdrucks überrascht es nicht, dass dieses allgegenwärtige und populistische Instrument auch in andere Kunstformen Einzug gehalten hat. Und das wird anschaulich bei „Storied Strings – The Guitar In American Art“ gezeigt, einer Ausstellung, die in die letzten zwei Wochen im Frist Art Museum geht. Es klingt wie eine Idee, die von Kuratoren aus Music City entwickelt wurde, aber es handelt sich tatsächlich um eine Gastausstellung, die ihren Ursprung im Virginia Museum of Fine Arts in Richmond hat. Allerdings wurde es für seinen Auftritt in Nashville optimiert und ergänzt, sagt Mark Scala, Chefkurator des Frist.

„Wir wollten nicht, dass es nur um Gitarren selbst geht, sondern um die Bedeutung von Gitarren, die Symbolik von Gitarren, die Geschichten über die Entwicklung von Gitarren, aber auch darum, wie Menschen Bilder von Gitarristen erstellen und welche Informationen darin enthalten sind Bilder“, erzählte mir Scala, als wir uns auf den Weg zu einer Tour machten. „Die Ausstellung selbst ist also sehr breit gefächert. Es versucht so viel wie möglich von der Geschichte der Gitarre in der amerikanischen Geschichte zu erzählen.“

Das bedeutet, dass uns Werke aus dem Jahr 1771 und aus dem letzten Jahr in den unterschiedlichsten Medien begegnen. Die Werke sind in Galerien untergebracht, die nach Themen organisiert sind, darunter das häusliche Leben im frühen Amerika, die zentrale Bedeutung von Blues- und Volksmusik, Protestlieder, Cowboys, Kommerz und „Personifizierung“, die die vielfältigen Arten zeigt, wie der menschliche Körper mit dem Sinnlichen interagieren kann Formen von Gitarren. Wenn ich das alles betrachte, fällt mir die Kluft zwischen denen unter uns ein, die täglich mit Gitarren umgehen oder darüber nachdenken, und der viel größeren Bevölkerung, die Gitarren nur im Dienste einer fertigen Platte oder eines Auftritts sieht und hört. Solch eine kontextreiche Ausstellung verleiht dem Instrument eine Würde und Resonanz, die von den Indoktrinierten geschätzt wird, denen aber möglicherweise eher fremd ist, die nicht spielen oder sich nicht mit dem Musizieren beschäftigen. Ich gehe davon aus, dass Besucher, die keine Gitarrenexperten sind, viel mehr darüber erfahren werden, was dieses ikonische Instrument für uns musikbesessene Menschen bedeutet.

Vor dem 20. Jahrhundert nahm man in Amerika die Musik zu Hause sehr ernst, daher waren Gitarren und ihre Saiteninstrumente in vielen Salons und Wohnzimmern Teil des täglichen und häuslichen Lebens. Das ist der Geist eines Porträts der Edward Lloyd Family of Maryland auf einem Gemälde von Charles Willson Peale aus dem Jahr 1771, auf dem Mrs. Lloyd eine Cister hält, ein Saiteninstrument irgendwo zwischen einer frühen Gitarre und einer Mandoline. Es ist hier als Requisite, aber es gibt Grund zu der Annahme, dass sie als kultivierte Person ihrer Zeit gespielt hat. Noch mehr überzeugt mich das wunderschöne Soloporträt einer unbekannten Frau von Joseph Rodefer DeCamp aus dem Jahr 1908. Die Handpositionen des Motivs sind präzise und ihr ruhiger Blick ist auf ihre grimmige Hand gerichtet. Sie sitzt in sanftem Licht und hat die Aura der Zielstrebigkeit, die ich mit jedem unserer heutigen Roots-Musik-Troubadours verbinden könnte. Ich glaube, sie arbeitet an einem Song.

Eine eher gesellige Szene stammt aus dem Jahr 1866 in „The Musicale, Barber Shop, Trenton Falls, New York“ von Thomas Hicks. Als Motiv wählte er eine interrassische Gruppe mit einem schwarzen Geiger, der mit einem weißen Cellisten und Gitarristen Musik macht. Ein weiterer Afroamerikaner steht neben der Gruppe und scheint ein Rubbelbrett zu tragen, was darauf hindeutet, dass die Band groovig werden könnte, aber es scheint, dass dies eine ruhigere Nummer ist, da eine Gruppe von Männern (drinnen) und Frauen (draußen vor der Tür) zuhört ein frecher Hund. Der Gitarrist hier macht tatsächlich durch ein offenes Fenster mit einer jungen Frau Blicke, als ob die Gitarre als Liebesmagnet uns schon lange begleitet.

Wie bei der Gitarrenmusik selbst wird es im 20. Jahrhundert immer funkelnder und zukunftsorientierter, und eines der spektakulärsten Werke ist für mich „Blues With Guitar And Bass“ von Charles Henry Alston, das um 1948 entstanden ist. Der Maler stand den Spitzen der New Yorker Jazz-Community nahe, und dieses Öl-auf-Leinwand-Werk zeigt drei Nachtclubmusiker, die sich bei einem Konzert eng aneinander schmiegen und den Rahmen fast überfüllen. Der Gitarrist ist im Klang versunken, die Augen geschlossen. Die in Weiß gekleidete Sängerin mit einer roten Rose auf der Schulter verleiht dem Bild Kontrast und Energie. Die Farbpalette ist üppig, aber zurückhaltend. Das wollte ich mit nach Hause nehmen.

Als Ergänzung und Kontrast zu diesem Werk steht „Fiddler's Contest 1935“ von Howard Cook, eine Lithografie in Schwarz, Weiß und Grau. Ein Geiger, flankiert von zwei Gitarristen, spielt und singt vielleicht vor nicht erkennbarem Publikum. Ihre Gesichter sehen von der Arbeit im Freien abgenutzt aus. Die Schattierung, wie mit Kohle gemacht, lässt die Instrumente und Musiker vom Papier hervorstechen. Diese dokumentarische Zeichnung traditioneller Musiker, denen man in Brookwood, Alabama, begegnet, veranschaulicht die verschwommenen Grenzen zwischen Amateuren und Profis im Folk-Bereich.

Ähnliche Elemente sehe ich in „Jessie With Guitar“, das 1957 von Thomas Hart Benton gemalt wurde (siehe Abbildung oben). Jessie ist etwa an ihrem 18. Geburtstag die Tochter der Künstlerin, und wer Bentons meisterhaftes „Sources of Country Music“ kennt, das seit Jahrzehnten in der Country Music Hall of Fame hängt, wird auffällige Parallelen in den juwelenfarbenen Farben und der Idee der Hand erkennen -gemachte Musik inmitten einer üppigen Landschaft. Anders als die Musikerin in DeCamps Frauenporträt blickt Jessie Benton mit gelassener Zuversicht zum Horizont. Ihr Haar scheint sich im Wind zu bewegen. Es ist ein liebevolles Porträt, das aus der Ferne verblüffen kann, mit einer wunderschön wiedergegebenen Akustikgitarre im Mittelpunkt des Werks.

Ein weiteres Signature-Werk von Storied Strings ist „Three Folk Musicians“ des renommierten Multimedia-Künstlers Romare Bearden. Ich liebe seine impressionistischen Collagen von Jazzmusikern, seit ich als Teenager von ihm erfahren habe. Aber das hier habe ich noch nie gesehen, ein Trio scheinbar afroamerikanischer Sänger in der Arbeitskleidung der Depressionszeit, zwei mit Gitarren und einer mit Banjo. Beardens Technik, gefundene Bilder auszuschneiden und zu leicht surrealen Szenen anzuordnen, erzeugt eine Illusion von Musik, „ein Gefühl von Dynamik und ein Gefühl von Improvisation“, wie Scala es ausdrückte. „Es ist eine wirklich bemerkenswerte Übung im rhythmischen Aufbau … einer der Stars der Show.“

Zwischen den Gemälden, Fotografien und Drucken an den Wänden ist eine etwas parallele Geschichte der Gitarren selbst angeordnet. Die Objekte der Begierde beginnen schon früh mit einem Koffer, der drei frühe Gitarren der CF Martin Guitar Co. enthält, darunter eine aus dem Jahr 1842, nur drei Jahre nach der Gründung des Unternehmens in Nazareth, PA, wo es immer noch die besten seiner Klasse herstellt Gitarren heute. Die Kunst und das Handwerk der dekorativen Intarsien sind magisch und verspielt auf einer Stella „Gambler Deluxe“ von 1930 mit Perlenhals und Spielkartenmotiv. Eine Archtop-Jazzgitarre von John D'Angelico aus dem Jahr 1932 (anscheinend das zweite Instrument, das jemals von diesem legendären Gitarrenbauer hergestellt wurde) ist ein lustvoller Traum von elegantem Design des 20. Jahrhunderts. Und eine Wand aus seltenen Gibson-Gitarren, einer der letzten Takte der Show in der Nähe des Ausgangs, würdigt das Erbe dieses großen amerikanischen Herstellers, der jetzt seinen Hauptsitz hier in Nashville hat.

Die letzte Galerie trägt den hochtrabenden Titel „Aestheticizing The Motif“. Aber keine Angst, es gibt noch mehr Gitarren, einschließlich einer Art Segenspräsentation mit Kaki King, die ich clever und wichtig fand. Der 43-jährige, in Georgia geborene Künstler ist ein Fingerstyle-Virtuose, der im Laufe seiner zwanzigjährigen Karriere neue Wege gefunden hat, Gitarre zu präsentieren und zu spielen. Wir sehen ein Video aus ihrer gefeierten Multimedia-Show „The Neck Is A Bridge To The Body“, in der mithilfe von High-Tech-Projektoren der Korpus der Gitarre und ihr Hintergrund mit Bildern animiert werden, während sie spielt. Es ist progressiv und spannend, eine besonders lebendige Erinnerung daran, dass selbst nach mehr als 150 Jahren des Musizierens auf der sechssaitigen Holzkiste noch viel mehr auf diesem scheinbar unendlichen Instrument möglich ist.

Storied Strings läuft bis zum 13. August. Ergänzt wird es durch Guitar Town: Picturing Performance Today, eine Ausstellung im Flur des Frist mit Arbeitsproben einiger der wichtigsten und angesehensten Musikfotografen Nashvilles.